Lucas Arruda

For its third season, the Pinault Collection’s artist residency in Lens welcomed Brazilian artist Lucas Arruda. Here he describes the work he created there, inspired his first experience of a real winter, far away from his homeland, in the distinctive light of northern France.

On September 4, 2017, Lucas Arruda arrived at the Gare de Lille Europe from London, where his first exhibition at David Zwirner Gallery had just opened a few days prior. He didn’t know what exactly to expect: he had done very little research about Lens. He hoped, for a start, that this residency would allow him to take a step back and help him process two years of intense work in São Paulo, his native city, where he lives and works. Arruda grew up in the Vila Madalena neighborhood of the Pinheiros district. His parents met through the socialist Workers’ Party, founded in 1980. Arruda remembers once being rocked to sleep by Luiz Inácio Lula da Silva, known as “Lula,” the party’s founder, who later became the president of Brazil. He spent his childhood in a fertile political and cultural context. From an early age, he was sent to an arts-based nursery school; art would remain an important part of his education. As a child, he drew profusely, “strangely violent’” sketches that were never fully resolved. He aligned page after page to create a fictional epic, in which armies clashed with one another.

Around age sixteen, he began painting, seeking a way to channel his attention and find a kind of focus. “Frida Kahlo depicts herself with an arrow in her head— I was like that at the time,” he says. He tried to create intimate paintings, but found the results too illustrative or narrative. Seduced by the work of Alberto Giacometti and Francis Bacon, he tried his hand at portraiture. Were these self-portraits ? He doesn’t remember. But he came to understand that painting could be an escape from daily life, “cathartic, even when it is not figurative.” The human figure soon disappeared from his work. From there, he progressed quickly. Exhibited in Brazil by the Mendes Wood gallery, he soon found an audience interested in his bright, spellbinding paintings. “I thought that the grey light of northern France, such as it had been described to me, might have an influence on my work, that it might inspire a more mental, emotional dimension to my work.” A posteriori, he explains: “the colors and the light that I found here were actually a reflection of my state of mind. You can feel it in the works I created in Lens. This is less color in this body of work.”

In Lens, Arruda lost track of time. Each day resembled the previous, and the next, in the light and the rhythm of the city. For the artist, it was an almost transcendental experience. “The solitude and the atmosphere here expanded certain ideas, certain feelings, in me. It was a very rich, introspective time.” Seasons succeeded one another, and he experienced the first real winter of his life: “I saw snow for the first time. It was wonderful. I went out into the garden, soak in this atmosphere. Everything was silent, padded, sounds seemed slowed, carried in a bubble. That feeling brought me back to my work: I wanted to capture that.”

Arruda didn’t seek inspiration in the landscapes of the mining basin. But the relationship of the local population to the earth affected him. “My work is strongly, symbolically tied to the earth.”

When he paints, standing upright, he begins by establishing a horizon line, the only structural element of his paintings, which he then “diffuses, to create a passage.”

“Light is at the core of my work, creating movement. It’s light that guides my painting, that gives it its intensity, and that ends up creating neither abstract nor figurative spaces.” The modest Arruda expresses in his painting what animates him, in a new, poetic, “romantic” language, he adds with a smile. “I want my work to speak for itself,” he says. A unique silence, a unique sky, the humility and innocence of his works are evocative and soothing. Their small, intimate formats allow him to control the light, to maintain an equilibrium. “Landscapes want to extend beyond the limits.” He brings them back to a human scale.

“The solitude and the atmosphere here expanded certain ideas, certain feelings, in me. It was a very rich, introspective time. I saw snow for the first time. It was wonderful. I went out into the garden, soak in this atmosphere. Everything was silent, padded, sounds seemed slowed, carried in a bubble. That feeling brought me back to my work: I wanted to capture that.”

When asked how he decides a work is completed, he replies: “when I am able to see myself in it, then I can’t see any more.” A painting is finished once it reflects his state of mind. And again, it has to do with light: “Sometimes I begin with a lot of light and the works darkens progressively. Sometimes it’s the opposite.” Despite this introspective bent, he wants his work to find a place in a collective consciousness: “When I paint, I feel that I’m part of a moment, of a story. I carefully consider every gesture and try at all times to respect the past, the artists who preceded me. What I do is only possible because modernism took place.”

Lucas Arruda arrive le 4 septembre 2017 à la gare de Lille Europe. Il vient d’inaugurer sa première exposition à la galerie David Zwirner, à Londres. À son arrivée, il confie n’avoir fait que quelques recherches sur Lens. Il attend de cette résidence, dans un premier temps, de pouvoir prendre du recul et digérer deux années de travail intense, à São Paulo, cette ville où il est né et où il vit. Lucas Arruda a grandi à Vila Madalena dans le quartier de Pinheiros. Ses parents se sont rencontrés au Parti des travailleurs [parti indépendant et socialiste fondé en 1980]. C’est donc dans un contexte politique et culturel fertile qu’il vit ses premières années. Dès son plus jeune âge, il fréquente une crèche artistique. Dès lors, l’art plastique sera toujours présent dans son éducation. Petit, il dessine beaucoup, des dessins « étrangement violents » prenant la forme d’un « work in progress ». Les feuilles s’ajoutent les unes à côté des autres pour composer des épopées romanesques où les armées s’affrontent.

Vers seize ans, Lucas Arruda peint pour canaliser son attention et trouver une forme de concentration. Il cherche déjà à créer une intimité dans la peinture, mais il décrit ses créations de l’époque comme trop illustratives et narratives. Il peint des portraits. De lui ? Il ne s’en souvient plus. Mais il comprend que la peinture peut être une fenêtre pour s’échapper du quotidien, « cathartique sans forcément devoir représenter ». L’humain disparaît très vite de la surface de ses peintures. Le destin s’accélère. Exposé au Brésil par la galerie Mendes Wood, il trouve vite un public pour ses peintures lumineuses et envoûtantes. « J’imaginais que la lumière grise du Nord, telle que l’on me l’avait décrite, aurait peut-être une influence, qu’elle apporterait une dimension plus mentale, plus émotionnelle à mon travail ». A posteriori, il témoigne : « les couleurs et la lumière que j’ai trouvées ici n’étaient en réalité qu’un reflet de mon état d’esprit. Cela se ressent dans les œuvres que j’ai créées à Lens. C’est une production très peu colorée. »

À Lens, Lucas Arruda perd le fil du temps. Les jours se ressemblent. Par la lumière et le rythme si particulier de la ville. Pour lui c’est une période presque transcendantale. « La solitude et l’ambiance ici ont fait grossir en moi des idées, des sentiments. C’est une expérience introspective très riche ». Les saisons passent, aussi, et il connaît le premier hiver de sa vie : « j’ai vu la neige pour la première fois. C’était merveilleux. Je suis sorti dans le jardin, pour m’imprégner de cette atmosphère. Tout était silencieux, ouaté, le son était comme porté par une bulle au ralenti. Cette sensation m’a amené au travail. Je voulais traduire cela ».

Lucas Arruda ne s’est pas inspiré des paysages du bassin minier. Pourtant, la relation qu’entretient la population locale à la terre le touche. « Mon travail est très lié à la terre, de manière symbolique ».

« La lumière est au centre de mon travail, elle est le mouvement. C’est la lumière qui guide ma peinture, qui crée l’intensité et finit par créer des espaces ni abstraits, ni figuratifs ». Pudique, Lucas Arruda traduit en peinture ce qui l’anime, dans une langue nouvelle, poétique, « romantique », dit-il en riant. Traduire, c’est faire œuvre : « je veux laisser parler mon travail » affirme-t-il. Un seul silence, un seul ciel, l’humilité et l’innocence qui se dégagent des peintures de Lucas Arruda nous interpellent et nous ramènent au calme. Leurs petits formats créent aussi l’intimité. Ils lui permettent de contrôler la lumière en tout point, de conserver l’équilibre. « Les paysages veulent s’étendre au-delà des limites ». Il les ramène à l’échelle de l’humain.

« La solitude et l’ambiance ici ont fait grossir en moi des idées, des sentiments. C’est une expérience introspective très riche. J’ai vu la neige pour la première fois. C’était merveilleux. Je suis sorti dans le jardin, pour m’imprégner de cette atmosphère. Tout était silencieux, ouaté, le son était comme porté par une bulle au ralenti. Cette sensation m’a amené au travail. Je voulais traduire cela. »

À la question de savoir quand une toile est achevée, la réponse de l’artiste est évidente : « quand je finis par me voir, alors je ne vois plus rien ». Une peinture est finie lorsqu’elle reflète son état jusqu’à s’y confondre. Et cela a encore à voir avec la lumière. « Parfois je commence avec beaucoup de lumière et j’assombris encore et encore. Parfois c’est le contraire. » Malgré ce mouvement introspectif, il lui importe de s’inscrire dans une conscience collective : « Quand je peins, je me sens inscrit dans un moment, dans une histoire. Je considère le moindre geste et j’essaie à tout moment de respecter le passé, les artistes avant moi. Ce que je fais est uniquement possible car le modernisme a eu lieu ».